Archivos para el tag ‘Georges Delerue’

La mirada de Ulises o la muerte del amor

Manuel J. Lombardo | 26 de diciembre de 2013 a las 12:38

Mepris

Le mépris (El desprecio) se estrenaba en París un 27 de diciembre de 1963. Pronto se convertiría en el filme más popular y taquillero de Jean-Luc Godard, sin duda gracias a la presencia de Brigitte Bardot, la estrella más famosa del momento en todo el cine europeo desde su irrupción fulgurante como nuevo modelo femenino en Y Dios creó a la mujer (1956), de Roger Vadim.

BlurayBasada en la novela de Alberto Moravia Il disprezzo, Le mépris llegaba a manos de un Godard eufórico y en plena cresta de la ola como un encargo del cómplice habitual Georges de Beauregard y del gran productor italiano Carlo Ponti, a quienes se uniría también el norteamericano Joseph E. Levine, interesado en explotar el indudable sex appeal de la Bardot de cara a la taquilla internacional. Tanto que obligó a Godard a rodar los famosos (y maravillosos) desnudos de la estrella que han marcado la imagen icónica más reconocible del filme. La entrada de dinero norteamericano propició una producción holgada (500 mill. de francos), un rodaje en Technicolor y Cinemascope entre Roma (en los míticos estudios Cinecittá) y Capri, y la presencia en el reparto de Jack Palance y Fritz Lang, uno de los cineastas más admirados por Godard desde sus días de crítico en Cahiers, quintaesencia del auteur, puente entre la mejor tradición europea y hollywoodiense, y encarnadura aquí de uno de los temas y conflictos centrales del filme, a saber, la figura del cineasta (el artista) escindido entre la libertad creativa y los designios e imposiciones de la industria.

Mepris7

Envuelta por los acordes recurrentes de la elegíaca música de Georges Delerue, tal vez una de las más hermosas y tristes que se hayan escrito nunca para el cine, la quinta película de Godard reflexionaba sobre las edades y la materia del cine y sobre la crisis de la pareja asumiendo plenamente la modernidad experimental de un lenguaje que se mostraba no tanto como resultado consciente sino como proceso: a pesar de su origen y su producción más convencionales, Le mépris emerge así como obra en construcción capaz de apelar, no sin desencanto y melancolía, al fin de una era y una manera de entender el cine con unas formas aún por inventar en términos de puesta en escena, uso del color o montaje. En palabras de Jacques Aumont, “Le mépris es la puesta en abismo de la propia muerte del cine”.

Mepris3

En Le mépris Godard parece estar anudando también su propia biografía sentimental con un determinado momento histórico. Pocas películas suyas, incluso las más íntimas, caseras y confesionales de los últimos años, han mostrado las heridas de una crisis personal, sus ideas y pensamientos más profundos al respecto, a través de una ficción desdoblada y especular en la que se habla, a su vez, de otra doble ficción: la del cine, con su maquinaria expuesta ya desde los mismísimos títulos de crédito recitados por el propio cineasta, con la cámara de Raoul Coutard avanzando sobre la mirada del espectador mientras se escucha una cita de Bazin (“el cine sustituye nuestra mirada por un mundo acorde a nuestros deseos”); y la de la literatura, con esa (imposible y literal) adaptación de La Odisea de Homero que pretenden llevar al cine un productor yanqui sin escrúpulos (Palance), un viejo y culto director europeo (Lang, interpretándose a sí mismo) y el escritor (Piccoli) contratado para reescribir el guión.

Mepris4

Una Cinecittá en ruinas, un apartamento romano (convertido en un auténtico escenario múltiple entre puertas, ventanas y reencuadres), un par de salas de cine y los paisajes mediterráneos y arquitecturas de la majestuosa Villa Malaparte de Capri son los escenarios del duelo alargado que materializa ese preciso instante (mental) en el que una mujer (Bardot-Camille) deja de querer a un hombre. Es Godard quien apunta que toda su película es la dilatación de ese instante fatídico, ni siquiera su explicación (imposible, huidiza, incierta). La sustancia narrativa de Le mépris se contiene, por tanto, en una fracción de segundo, en ese momento de quiebra insalvable e irreversible que fractura el amor no ya por el desengaño o el dolor, sino por el propio y violento desprecio al que alude el título y cuyo desenlace no puede ser sino trágico.

Mepris1

Godard tal vez estaba poniendo en escena a través de una Bardot convertida en máscara opaca, en objeto de deseo popular deconstruido por una nueva mirada, entre travellings majestuosos y estallidos de color entre los restos de un mundo antiguo, su propia crisis con Anna Karina, su musa y pareja por entonces. No parece casual que haga ponerse a la rubia Bardot una peluca morena de pelo corto a la manera en que veíamos esos días en el cine a la protagonista de Vivir su vida o Una mujer es una mujer.

mepris-ok-5

Si quieren recuperar esta obra capital del cine moderno en todo su esplendor restaurado, Universal/StudioCanal ha comercializado una preciosa y económica edición en Bluray con enjundiosos extras, entre ellos dos documentales y una larga entrevista entre Godard y Lang.

Le Mépris (El desprecio) – Jean-Luc Godard – Bluray – Universal/StudioCanal – 10,50 euros

Heredar el cine

Manuel J. Lombardo | 29 de noviembre de 2012 a las 18:43

El talento de los padres no se hereda. Pero tal vez sí pueda heredarse su legado de una forma hermosa y honorable, sin royalties, fundaciones, ni derechos de autor de por medio.

Documenteur (1981), de Agnès Varda, es un filme sobre la soledad de una madre exiliada que busca casa con su hijo en la zona residencial de Venice Beach, Los Ángeles, una película nacida de una mirada extranjera y melancólica a un paisaje urbano que, a escasas millas de Hollywood, revela una realidad crepitante y mestiza alejada de todo glamour y de toda falsa expectativa de sueño americano. Ese niño de ocho años estaba interpretado por Mathieu Demy, el propio hijo de Varda y Jacques Demy, un niño que observa, juega y aprende mientras su madre de ficción, interpretada por Sabine Mamou, exorciza sus fantasmas de la separación y la distancia del hogar.

Treinta años después, Mathieu Demy se ha convertido en un actor y director de cine, y regresa a aquellos mismos espacios en Americano (2011), su primer filme, que arranca con la noticia de la muerte de una madre (exorcismo extraño y revelador) y recorre pronto los mismos lugares, las mismas casas y las mismas playas de Documenteur buscando respuestas que ayuden a reconstruir el vínculo y la identidad disipada de la madre ausente.

En este regreso a Los Ángeles, antes incluso, en un sueño premonitorio, las imágenes de aquel filme, su música triste para piano compuesta por Georges Delerue, nutren el recuerdo de la nueva historia, creando ese humus de la memoria (una memoria de ficción, pero también una memoria autobiográfica en cierto modo), que funcionará ya como flujo esencial de una nueva aventura de extranjería y autodescubrimiento.

Nuestro protagonista busca ahora a una amiga de la madre llamada Lola, una Lola (Salma Hayek) que se nos parece mucho a la protagonista del primer filme de Jacques Demy y a la misma enigmática mujer de Model shop (1969), interpretadas por Anouk Aimée.