El Podcast de La Ventana Pop (Programa 65)

Blas Fernández | 19 de enero de 2017 a las 5:00

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Comienza El Podcast de La Ventana Pop con Death Valley Girls (fotografiadas ahí arriba), que desde Los Ángeles y al amparo de Burger Records recalan en Andalucía con sendos conciertos en Granada y Sevilla.  Por esta última ciudad pasarán además los veteranos The Fleshtones, que también ofrecerán actuaciones en Estepona y Córdoba dentro de la gira española con la que celebran su 40 aniversario (ahí es nada). Más citas con bandas en directo a cargo de Quentin Gas & Los Zíngaros, Maga, La Catedral Sumergida, CorizonasTerry vs. ToriMarklendersAll La Glory. Y además, nuestra felicitación al sello almeriense Clifford Records, que acaba de lanzar su referencia número cien, y el rescate de los gaditanos Champagne. Pues eso: ¡¡¡Rock’n’roll!!!

Como siempre, puede escuchar El Podcast de La Ventana Pop en el reproductor bajo estas líneas o, también, en la web de ScannerFM.

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Tracklist

01.-Death Valley Girls: Glow In The Dark

02.-Death Valley Girls: I’m A Man Too

03.-The Fleshtones: Too Many Memories

04.-Quentin Gas & Los Zíngaros: Romance

05.-Maga: Por las tardes en el frío de las tiendas

06.-La Catedral Sumergida: Saturno (Un cuento)

07.-Champagne: Don’t Feed The Animals

08.-The Wheels: Mr. Hyde

09.-Corizonas: Nueva dimensión vital

10.-Esplendor: Quédate

11.-Sweethearts From America: Everybody Love The Monster

12.-Terry vs. Tori: Hit and Miss

13.-Marklenders: Esto está muerto

14.-All La Glory: Pretty Eyes

“El mundo de la música ya es del ‘streaming”

Blas Fernández | 16 de enero de 2017 a las 5:00

 

José A. Pérez y Esteban Ruiz, fotografiados en una playa de Islandia durante una de sus giras. / Elo Vázquez

José A. Pérez y Esteban Ruiz, fotografiados en una playa de Islandia durante una de sus giras. / Elo Vázquez

silent_cover_lvpMusic For Silent Running. I Am Dive. Ambient / Score. Wearewolves Records. CD / DD.

“Jose dice que le sonaba haberla visto, pero para mí fue algo completamente nuevo. De hecho, la vimos juntos y, al principio, no nos gustó absolutamente nada. Pero luego le fuimos cogiendo cariño. Y ahora ya me la sé de memoria, escena a escena”, dice Esteban Ruiz a propósito de Music For Silent Running, el nuevo álbum del dúo sevillano I Am Dive -completado por José A. Pérez-, una suerte de banda sonora imaginaria para la película de ciencia-ficción de Douglas Trumbull Silent Running (en España, Naves misteriosas, 1972). El disco, el primero que el grupo publica con su propio sello, Wearewolves Records, tras una decena de trabajos en la escudería barcelonesa Foehn, potencia el componente de ambient music siempre presente en su música hasta extremos inéditos, proponiendo un intenso y hermoso viaje espacial.

-Silent Running es un clásico menor de la ciencia-ficción ecologista que, quizás por su ingenuidad, no ha soportado demasiado bien el paso del tiempo. ¿Cómo se fijaron en ella?

-Nos llamó José Luis Cuevas, de la agencia Born! Music, para proponernos ir al Cinemascore Festival de Castellón. La idea era que cada grupo escogía una película y le ponía música en directo. Nosotros elegimos 2001, Una odisea del espacio, pero nos dijo que estábamos locos, porque es muy larga. Así que le pedimos que nos propusiera una él y nos sugirió ésta, una película que nadie nunca había querido hacer. Volvimos a verla un par de veces juntos Jose y yo sin saber muy bien qué podíamos componer. La banda sonora original era muy invasiva, muy penetrante, así que lo dejamos un poco parado pensando en meter cuatro o cinco canciones instrumentales que ya teníamos y rellenar con algo de improvisación los 90 minutos. Además, todo esto nos pilló mientras grabábamos el disco nuevo, que saldrá dentro de poco. Cuando ya lo teníamos medio maquetado, una noche nos dijimos “oye, esta idea estaría bien para la película, ¿no?”. Y se nos fue la cabeza. Empezamos a componer e hicimos cuatro o cinco piezas instrumentales que no iban a entrar en el disco nuevo, porque eran de un rollo completamente diferente, pero nos dimos cuenta de que molaba y seguimos con ello. Terminamos aparcando el nuevo disco porque vimos claro que esto lo queríamos editar, y que además iba a ser la primera referencia de I Am Dive en Wearewolves.

-Las bandas sonoras imaginarias se han centrado durante las últimas décadas en clásicos del cine mudo, pero rara vez en películas dialogadas. ¿Cómo plantearon el proyecto?

-Las ideas iban encajando con las diferentes partes de la película en función del mensaje. Por ejemplo, en las escenas con mayor protagonismo de la nave o de los robots utilizamos más electrónica. Pero también hay partes muy tensas que se corresponden con música muy tranquila, porque nos parecía interesante el hecho de comprobar cómo la música puede llegar a distorsionar lo que estás viendo. En el disco no los hemos usado por una cuestión de derechos de autor, pero en el directo también utilizamos parte de los diálogos, que son una pista más. Para nosotros ha sido un trabajo muy intenso de reestructuración mental, porque hasta ahora, en toda la música que hemos compuesto, la idea que transmitíamos estaba controlada por nosotros al cien por cien: ésta es la letra y esto es lo que queremos decir en esta canción. Pero en el momento en que piensas que eso tiene que mezclarse con un mensaje que ya está hecho, el trabajo es distinto: tú tiras para tu lado, pero la película tira para el suyo. Nos costó un gran esfuerzo e incluso tuvimos momentos en los que pensamos que nos iba a salir un churro, pero al final quedamos contentos. Si ésta fuera la banda sonora original de la película, funcionaría.

-En la bso original también había alguna canción de Joan Baez, que no está en el disco…

-Sí, de hecho, había dos. En directo las canto yo, pero en el disco no podíamos meterlas por lo mismo, temas de derechos. Era un jaleo, había que pedir permiso a Universal, que tiene los derechos de la película, y ésta consultarlo con no sé quién, que tiene los derechos de Baez.

Selfie en las cataratas del Niágara.

Selfie en las cataratas del Niágara.

-Tras el estreno en el Cinemascore Festival, en febrero de 2015, sólo volvieron a interpretarlo en directo el pasado verano en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (Cicus). Con el disco ya editado, ¿harán más conciertos?

-Estamos en negociación con gente diferente para hacerlo a lo largo de este año. Pero no será en salas normales, sino en sitios donde se pueda montar bien: cines, teatros… Tampoco hay tantos espacios para eso, así que nos lo estamos tomando con calma. Si cuadra lo hacemos y si no, no.

-Music For Silent Running ha tenido un lanzamiento atípico: ha estado disponible en streaming durante un mes exclusivamente en Bandcamp. ¿Por qué?

-Como sello nuevo estamos probando diferentes estrategias en el mercado discográfico, intentando evitar lo que vemos que, claramente, no funciona en el mundo independiente. Este disco lo sacamos de una manera muy consciente, justo a final del año pasado, directamente en Bandcamp y sin ningún tipo de promoción previa. Desde el día 15 de este mes ya está en todas las plataformas. Pero, en principio, queríamos concentrar todo el tráfico en Bandcamp, donde, de hecho, lleva miles de escuchas. Y eso que Bandcamp se utiliza mucho menos que Spotify o iTunes.

-Por eso le pregunto: ¿por qué Bandcamp?

-Porque nos interesaba ver qué fuerza puede tener un lanzamiento exclusivo en esa plataforma. Ya controlamos toda nuestra producción en plataformas digitales. Ésa ha sido una de nuestras grandes tareas durante los últimos meses: recuperar toda la música de I Am Dive que tenía Foehn Records y pasarla a nuestro catálogo de Wearewolves. Ahora podemos ver estadísticas, cosa que antes no podíamos hacer. Como además nuestra agregadora nos da las estadísticas a mes vencido, no íbamos a tener claro el impacto en iTunes hasta pasado un mes. Así que decidimos hacerlo directamente en Bandcamp y comprobar en tiempo real cuánta gente lo estaba escuchando y desde dónde. Y la respuesta ha sido bastante buena.

-¿Usted suele comprar música en descarga digital?

-Nunca he sido coleccionista de discos. Recuerdo que de joven discutía con Pablo Peña, de Pony Bravo, porque él compraba los cómics y los discos y yo los leía y los grababa. No he tenido ese afán, quizás porque tengo otras aficiones caras. Tengo muchos discos, porque sí compro los que me gustan. Por ejemplo, los de Sufjan Stevens, porque me gustan sus ediciones. Pero por lo general compro en digital, no copias físicas. Jose sin embargo si compra mucho en físico. Yo los vinilos los escucho en casa en el equipo; el resto lo termino escuchando en el iPhone.

-¿Y habrá vinilo de Music For Silent Running?

-No, no cabe. Tendría que ser un doble y no nos da el presupuesto. Aparte, que lo del resurgir del vinilo es una mentira. No se venden tantos como se dice. Nosotros vendemos muchos más cedés que vinilos, como un 70% más. Haremos una edición en CD bonita y la venderemos en los conciertos y en las tiendas. En nuestra experiencia, todos los discos que no se ven refrendados por una gira larga y bien trabajada no se venden. La gran mayoría de discos los vendemos en los conciertos. Y en digital se vende cada vez menos porque la gente tira de streaming.

Concierto en Japón.

Concierto en Japón.

-¿Es ése el mercado que va quedando?

-Nosotros estamos haciendo un gran esfuerzo por acudir a todas las ferias internacionales que podemos y reunirnos con gente de la industria de fuera de España. Ya tenemos más que asumido que España es nuestra casa, pero que lo que hacemos no encaja demasiado en la industria de aquí. Hace poco estuvimos en Estocolmo, en el último concierto de la gira, y además participamos en un minimercado con algunos profesionales. Una de las cosas que terminamos comprobando definitivamente es que el mundo de la música ya es del streaming. En Suecia todo es streaming. Ellos viven en Spotify. Y te hablan con total tranquilidad del dinero que sacan grupos y sellos. Y no son Abba, sino grupos independientes. Trabajan de otra manera. Han olvidado el pasado y han asumido el futuro. Funcionan bien y sacan dinero del digital.

-Pero eso choca con la queja proverbial por parte de los músicos respecto al escaso margen de beneficios que les genera el streaming

-Que le genera al músico, pero no al sello. Ahí está el salto. “Es que mi discográfica me paga poco y no me llega nada de Spotify”. Vale. ¿Y tú qué acuerdo tienes con tu discográfica? Nosotros tenemos un acuerdo muy transparente con nuestros músicos: les pagamos justo lo que merecen en función de la inversión que han hecho en su disco. Funcionamos de una manera muy fácil: ¿Cuánto cuesta que tu disco esté en la calle? Grabación, mezcla, fabricación… ¿Diez euros? De esos diez euros yo como sello puedo poner tres o cuatro. Si pongo cuatro, el 40% de todo, sean pérdidas o beneficios, es mío y el 60% es tuyo. Y en digital, igual. Ese acuerdo tan cristalino y tan sencillo, en función de lo que pueda aportar, eso me llevo, es lo que no tienen los demás grupos. Nosotros no lo teníamos con Foehn y siempre nos decían que el digital da muy poco dinero. Pero un músico recibe poco del streaming si ése es el acuerdo que tiene con su discográfica, porque la discográfica sí que recibe. Evidentemente, un sello independiente cobra menos que Universal, que tiene a Spotify bien agarrada y hace que le pague mucho más de lo que nos pagará a nosotros o a 4AD. Que sea más o menos justo, que sepamos o no cómo se cuantifica una escucha en streaming… Todo el mundo va a pensar que es poco dinero cuando lo tiene que cobrar y mucho cuando lo tiene que pagar, pero si el disco funciona, el streaming hace dinero. Obviamente, no va a hacerlo si tienes doce reproducciones, pero si tienes decenas de miles, sí. Ya digo, esta gente de Suecia con sellos medianos tienen sus empleados y les pagan. Y todo lo sacan del streaming. Nuestros objetivos a media plazo no están en trabajar aquí. No estamos buscando socios ni distribuidores aquí. Todo lo que estamos haciendo lo estamos haciendo fuera.

-A propósito, el pasado 2016 ofrecieron conciertos en China, Canadá y Suecia. Antes ya habían tocado en Japón, Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia, Ucrania, Islandia… ¿Le preguntan a menudo cómo se consigue eso?

-La mayoría de músicos que conozco y se lo plantea como algo imposible tiene un trabajo normal y luego tiene su grupo, al que le dedica un par de tardes a la semana. Mi trabajo es el grupo. Me levanto a las ocho de la mañana, desayuno y me pongo a trabajar. Y a las nueve de la noche sigo trabajando. Sólo habré parado para comer y, si acaso, irme a montar en bici un rato. Se lo digo a todo el mundo: imagina que el nivel de intensidad que aplicas a tu trabajo cada día durante ocho o nueve horas lo dedicas a tu grupo, y no sólo componiendo canciones o tocando… Si éste no me coge el teléfono lo vuelvo a llamar; si éste no me contesta un correo, le vuelvo a escribir. Y ahora me voy a Bilbao, y ahora a Italia y ahora al Primavera… Al final, te das cuenta de que sólo se trata de tener un producto que sabes que encaja e insistir. Pero tienes que tener claro que encaja. Por poner un ejemplo radical: Lori Meyers no va a interesar nunca a nadie de los Pirineos para arriba. De hecho, a veces he hecho el experimento de poner a gente de fuera con la que he ganado cierta confianza tal o cual grupo estrella de la escena independiente de nuestro país. La reacción suele ser algo así como “¿Pero esto es cierto?”. Ojo, eh, que en todas partes cuecen habas y en todos los países hay grupos equivalentes. Así que lo primero que te tienes que preguntar es si lo que estás haciendo es exportable, porque si no lo es… Si no eres capaz de contestar a una entrevista en inglés, si no eres capaz de desenvolverte en un ámbito profesional angloparlante, ¿qué haces cantando en inglés? Es una situación con la que me he encontrado en varias ocasiones. “Nunca nos contestan de fuera”. “Tío, es que no se entiende lo que cantas”. Es duro decirlo, pero si lo que haces, fuera resulta irrisorio… Sé realista con tus perspectivas.

-Pero está claro que Lori Meyers, por seguir con su ejemplo, genera más volumen de negocio sólo en España que I Am Dive en todo el mundo…

-No creemos en el éxito, para nosotros es una cuestión de trayectoria. Es nuestro trabajo: hacemos discos, damos conciertos, nos llaman de aquí y de allá o antes llamo yo. Soy muy insistente y lo intento todo todo el rato. Y me sale una de cada cincuenta cosas que intento. Pero es que intento muchas. Aunque, claro, tengo una cosa que la gente escucha y dice “oye, esto está guay”. Nadie me dice “tío, esto es horrible, no me escribas más”. ¿Cómo se hace? Trabajando. Y asumiendo que nuestros recursos son limitados y que éste es como cualquier otro negocio: voy a invertir en lo que me interesa. Si no es así, te quedas sin recursos y sin energía.

Actuación en Canadá.

Actuación en Canadá.

-Esa visión de trabajador de la música contrasta con la idea tantas veces asumida de que el músico sólo tiene que ser músico y dejar los negocios a otros…

-A mí eso me parece fantástico si eres capaz de hacerlo. Me encantaría poder centrarme sólo en hacer canciones y tocar la guitarra mientras que otra persona se encargara de decirme “mira, este mes tienes tantos conciertos y tu carrera se está gestionando de esta manera”. Pero resulta que soy pobre y no tengo eso. Lo entendí hace mucho tiempo: el paradigma de rock’n’roll star que sólo quiere tocar y olvidarse de lo demás está muy bien en tu imaginación, pero si en la vida real quieres ser un músico que a final de mes paga el alquiler, tienes que hacerlo tú. También es verdad que no todo el mundo tiene la capacidad de hacerlo, se necesita una serie de habilidades, de competencias profesionales.

-Acaban de lanzar Music For Silent Running y ya anuncian nuevo disco, el que quedó aparcado…

-En principio, la idea es publicarlo a finales de primavera. Ya tenemos una docena de canciones hechas y, de hecho, incluso tocamos alguna en directo. Pero lo cierto es que nuestra forma de trabajar ha cambiado después de Silent Running y queremos darle otra vuelta a esas canciones desde esta nueva perspectiva. Se trata de reenfocar el asunto añadiendo lo que hemos aprendido con este proceso. Music for Silente Running ha sido un disco complicado de hacer. Había una presión añadida, porque me costaba mucho crear melodías vocales con otros instrumentos. Hasta que Jose me dijo que teníamos que trabajar de otra manera, desde una perspectiva exclusivamente instrumental. Y eso, seguro que se va a notar en el nuevo disco.

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 64)

Blas Fernández | 5 de enero de 2017 a las 5:00

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El primer programa del año arranca con rabia punk (y post-punk) de la mano de Biznaga y Juventud Juché, ambas bandas madrileñas protagonistas del concierto organizado en Sevilla por la nueva promotora Mango Tonight, que promete un invierno caliente. Desde Málaga, el sello El Muelle Records revisa el amplio cancionero de Nick Cave, fotografiado ahí arriba, con el doble recopilatorio de versiones Cave’s, en el que participa un variopinto plantel de músicos españoles e hispanoamericanos. Schwarz anuncia concierto en Granada junto a Holögrama; Maga despide su gira de XV aniversario y dice hola a un nuevo álbum, Salto horizontal; Sr. Chinarro recala en Algeciras y Sevilla y, en el primer aniversario de su fallecimiento, diversos músicos vuelven a rendir homenaje al inmortal David Bowie. Pase y escuche.

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Tracklist

1.-Biznaga: Fiebre

2.-Biznaga: Una ciudad cualquiera

3.-Juventud Juché: Niebla

4.-Juventud Juché: Fuera

5.-Nick Cave: Skeleton Tree

6.-Conde: Red Right Hand

7.-Ana Béjar: Knocking on Joe

8.-Marco Serrato: West Country Girl

9.-Holögrama: Sad Waters

10.-Schwarz: Tan aquí

11.-Maga: Helás (Mañana)

12.-Sr. Chinarro: La ciudad provisional

13.-David Bowie: Moonage Daydream

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 63)

Blas Fernández | 22 de diciembre de 2016 a las 5:00

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Quentin Gas & Los Zíngaros, fotografiados ahí arriba, adelantan una nueva canción de su inminente segundo álbum y en ella encontramos a Niño de Elche, quien también se suma a Lee Ranaldo y Steve Shelley en Feliz Navidad, el antivillancico de Vallellano & The Royal Gypsy Orchestra. I Am Dive viaja al espacio profundo con Music For Silent Running y SKLT SLKT borda un epé de título Spink. Nos vamos de fiesta con Los Jaguares de la Bahía, Pelo Mono y All La Glory. Completan el lote, el último del año, Enrique Morente, The Magic Mor y Hi Corea! ¡Felices fiestas!

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Tracklist

1.-Quentin Gas & Los Zíngaros: Caravana

2.-Quentin Gas & Los Zíngaros: Deserto Rosso

3.-Vallellano & The Royal Gypsy Orchestra: Feliz Navidad

4.-Enrique Morente: Oye, ésta no es manera de decir adiós

5.-I Am Dive: Rebirth

6.-I Am Dive: Sunrise

7.-SKLT SLKT: Death Note

8.-SKLT SLKT: You Used To Love Me

9.-The Magic Mor: Room Service

10.-Hi Corea!: Common People

11.-Los Jaguares de la Bahía: Oh Yeah!

12.-Pelo Mono: Waaaaght!

13.-All La Glory: Do You Wanna

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 62)

Blas Fernández | 8 de diciembre de 2016 a las 5:00

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Arranca El Podcast de La Ventana Pop con el concierto navideño que Nick Lowe, de gira por España, ofrece en Sevilla dentro del ciclo Nocturama. De directos vamos bien servidos: Joaquín Pascual, Odio París, Hinds, Maga, Triángulo de Amor Bizarro, Vera Fauna y Pájaro protagonizarán en breve actuaciones por diversos puntos de Andalucía. Y entre las nuevas ediciones, Javier Corcobado, Isasa y el tradicional recopilatorio de fin de año de Fohen Records.

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Tracklist

1.-Nick Lowe: Christmas At The Airport

2.-Nick Lowe: I Wish It Could Be Christmas Everyday

3.-Joaquín Pascual: El misionero

4.-Odio París: Destellos de ingravidez

5.-Hinds: Walking Home

6.-Javier Corcobado: Apotemnofilia

7.-Javier Corcobado: Alegría de amor

8.-Maga: Como nubes a mi te

9.-Triángulo de Amor Bizarro: Desmadre estigio

10.-Isasa: Aina

11.-Holögrama: Burgundy Coloured Mazes

12.-Vera Fauna: Poniente

13.-Pájaro: El pudridero

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 61)

Blas Fernández | 24 de noviembre de 2016 a las 5:00

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¿Quién con la edad suficiente no recuerda La bola de cristal?  Desde luego, sí lo hacen los organizadores del festival benéfico sevillano Lilifest, destinado fundamentalmente al público infantil, que han tenido la feliz ocurrencia de juntar a una superbanda para rescatar en directo el delicioso repertorio de aquel programa de TVE.

Uno de los protagonista de ese cancionero fue Santiago Auserón, que anuncia nuevo disco de Juan Perro cinco años después de su último álbum. También es novedad el Fire Monkey de Little Cobras, partícipes junto a Sweethearts From America de la nueva cita organizada por Rock Action Sur.

A la espera de la inminente edición del Event Nature de Hi Corea!, y con el Save de Beatlove y el Gemini de Holögrama ya en circulación, directos de O Sister!Furia TrinidadTerry Vs. ToriAll La GloryPinocho DetectiveMarklenders.

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Tracklist

1.-Alaska: La bola de cristal

2.-Juan Perro: Los inadaptados

3.-O Sister!: Please, Don’t Talk To Me Before My Morning Coffee

4.-Hi Corea!: Electric Shades

5.-Little Cobras: Cobalt Blues

6.-Little Cobras: The Butcher

7.-Sweethearts From America: Across The Ocean

8.-Furia Trinidad: She and The Sunshine

9.-Beatlove: I Like Turtles

10.-Holögrama: Last Train

11.-Terry Vs. Tori: Dream Wild

12.-All La Glory: I Can’t Take My Eyes Off You

13.-Pinocho Detective: L.A. y San Francisco

13.-Marklenders: Hank Scorpio

“Si no fue Morente quien cambió la historia del flamenco, al menos sí la viró”

Blas Fernández | 18 de noviembre de 2016 a las 5:00

El realizador José Sánchez-Montes. / Foto: Matilde de la Cruz

El realizador José Sánchez-Montes. / Foto: Matilde de la Cruz

Coincidiendo con el vigésimo aniversario de su publicación original -y a punto de cumplirse seis años de la muerte del cantaor-, llega este viernes a los cines Omega, documental sobre el disco homónimo de Enrique Morente y Lagartija Nick, una película codirigida por el granadino José Sánchez-Montes -al habla en esta entrevista- y el sevillano Gervasio Iglesias que revisa el proceso de creación de aquella obra capital. Y no sólo para el flamenco.

-¿Por qué este documental?

-He trabajado con Universal varias veces, con Tiempo de leyenda, el documental sobre La leyenda del tiempo de Camarón, con el de Martirio… Se trataba de aprovechar la efeméride para hacer una película relacionada con la reedición del disco. Los 20 años de Omega se presentaban como una ocasión muy buena para revisar qué pasó y ponerlo en imágenes.

-¿Recuerda cuándo conoció a Enrique Morente?

-Sí, en el año 84, cuando montamos la productora Ático 7 y éramos unos chavalines que no sabíamos ni qué íbamos a hacer al día siguiente… Nos dedicábamos, sobre todo, al videoarte y hacíamos algunas cosas pequeñas. Un día que estaba solo en la productora llamaron a la puerta y era Enrique. Me quedé flipado. Me dijo “mira, me han dicho que hay aquí unos chavales que hacen vídeo de creación y yo no sé lo que es eso”. Y allí estuvo un rato hablando conmigo. Me quedé impresionado, porque lo conocía y admiraba como artista. De hecho fue con él con quien entré en el flamenco, que antes, sinceramente, no me importaba nada. Ahora sigo sin saber nada de flamenco, pero si alguien me dijo que ahí había una música que iba mucho más allá, ése fue Enrique Morente.

-Después trabajó estrechamente con él en películas como Morente sueña la Alhambra

-Hubo una experiencia anterior para mí tan importante como Morente sueña la Alhambra, o incluso más, que fue cuando dirigió musicalmente el proyecto multimedia Federico García Lorca. De Granada a la luna. Convinimos cuáles eran los artistas que podían participar y gracias a él fueron entrando desde Santiago Auserón hasta Michael Nyman, John Cale o Neneh Cherry. Curiosamente, Enrique abría muchas puertas fuera. Yo entonces, por ejemplo no estaba muy seguro de que Robert Wyatt supiera de Enrique, pero, vaya, no es sólo que supiera de él, sino que era fan. Luego, claro, Morente sueña la Alhambra fue una experiencia muy intensa, de varios años de trabajo.

-¿Ha sido difícil desentrañar el origen de un disco tan poliédrico, casi tan impreciso como el propio origen del flamenco?

-Está claro que hay un montón de antecedentes, gente importante que experimenta con el flamenco y otras músicas y que lo hace con mucha calidad: Sabicas con Joe Beck, Smash, Camarón con La leyenda del tiempo… Esos antecedentes están ahí. Pero el hacerlo desde el conocimiento de la profundidad de las letras de Lorca, de la profundidad de las letras de Leonard Cohen… Eso es lo que hace especial a Omega. Si no se juntan dos ejes a priori tan antagónicos como Lagartija Nick, con todo el conocimiento cultural profundo de Jesús y Antonio Arias, y un cantaor como Enrique, tan interesado en rescatar a los poetas y ofrecer una visión de izquierdas del mundo del flamenco, eso no se hubiera podido hacer.

-Me refería también al cambio de dirección que sufre el proyecto inicial, que en origen es un disco de versiones de Cohen, sin rastro aparente de García Lorca…

-Creo que fue algo así como cuando Enrique apareció en Ático 7. Enrique tenía las orejas y la mirada muy abiertas y que estaba buscando cosas ya lo sabíamos, porque antes había querido colaborar con 091. Encontrarse con Jesús y Antonio Arias, unos chavales que le cuentan algo que a le entusiasma, le hace cambiar de idea y dejar a una lado el proyecto original para, a partir de ahí, mirar a Omega como algo mucho más serio. Me contaba Alberto Manzano [traductor y biógrafo de Cohen] que el primer enamoramiento de Enrique por Cohen estaba en sus primeros discos, que son más de cantautor, pero cuando lo conoce personalmente, Cohen está ya en otro registro, más surrealista. Ese Cohen surrealista es el que lleva a Enrique a Poeta en Nueva York y el que hace que se de cuenta de lo mucho que tenían que ver Cohen y Poeta en Nueva York. Creo que esa relación que descubre es la que le hace sentirse insatisfecho con la idea de grabar, simplemente, un disco de versiones de Cohen.

-La casualidad ha querido que Leonard Cohen falleciera antes del estreno del documental. ¿Llegó a verlo?

-No. Contactamos con él para hacerle una entrevista, como es lógico, pero en ese momento estaba mal y no hubo manera. Afortunadamente, apareció esa entrevista suya en Los Ángeles y tanto Gervasio como yo vimos que era casi mejor: él, intentando promocionar Omega en Estados Unidos. Le llega el disco y se queda sorprendido, pero también convencido de que nadie allí lo va a oír y que tiene que hacer algo para promocionarlo. Así que se va a la radio y se pone a hablar de Omega. Ahora, con su muerte, el documental no sólo cobra sentido como homenaje a Lorca, a Enrique y a Jesús Arias, sino también como homenaje a Cohen.

-¿La fascinación de Morente por Cohen es la fascinación de Cohen por Lorca?

-Creo que sí. Enrique se convirtió en un lector y las letras de Cohen le llegaban. Él ya había cantado a Miguel Hernández, había trabajado a Bergamín y a otros muchos poetas importantes. Y lo siguió haciendo después. Pero Cohen le llega a fascinar: un tío de Canadá que había hecho un concierto multitudinario ante 600.000 personas en la Isla de Wight, solo con su guitarra… Todo eso, creo, le debió de impactar mucho.

-Cuando se anuncia el documental y la reedición del álbum, inmediatamente arrecian los titulares grandilocuentes: El disco que cambió la historia del flamenco… ¿No le resulta exagerado? Por un lado, Morente ya tenía otros discos particularmente rompedores; por otro, ya existían discos igualmente rompedores de otros artistas flamencos.

-Se exagera muchísimo, desde luego, con todas esas frases hechas. Pero, en cualquier caso, lo que sí creo es que si no fue el propio Enrique quien cambió la historia del flamenco, al menos sí la viró. Si no, ¿a qué tanto experimento, tanto seguimiento por parte de público joven, tanta admiración de casi todos los flamenco actuales por Enrique, por su manera de hacer las cosas? Está claro que no hablamos sólo de Omega, sino de la Misa flamenca, de Negra si tú supieras… Cuando pasen los años, sin duda, todos tendrán claro que está entre los grandes, grandes del flamenco.

-Uno de los alicientes del documental es su despliegue de material inédito, tanto en imágenes como en sonidos…

-En casi todas mis películas anteriores he utilizado audios no de los discos editados, sino de ensayos, pruebas… Y aquí casi todo lo que va a oír el espectador son o bien directos o bien ensayos. Hay muchas perlas: audios de ensayos con conversaciones y discusiones que te hacen sentir allí. Por otro lado, Ángel Arias, hermano de Jesús y de Antonio, me llamó un día para decirme que había encontrado una cinta de vídeo con la etiqueta Morente y que no sabía ni qué tenía. La vimos y resultó que estaba grabado uno de los primeros ensayos con Lagartija Nick, en un cubículo pequeñísimo con 12 ó 13 personas. Fue un hallazgo. Y luego, de todo el material que yo tenía con Enrique, había muchísimas cosas que no habían salido. Por ejemplo, un concierto en el Zaidín grabado con varias cámaras y audio en multipistas. Parte de esa actuación está también en el documental. Hay bastante material desconocido, bastante.

-De todos los protagonistas de la película, cobran singular importancia la mujer e hijos de Morente y Antonio Arias, el ideólogo en la sombra. ¿Cómo vivieron el proceso de evocar todo aquello? Se lo pregunto, porque hay momentos particularmente emotivos…

-Creo que Antonio ha hecho el trabajo que quedó pendiente. Hablando con él muchas veces me deja esa sensación, que quedó pendiente trabajo por hacer con mayor libertad o con la distancia sobre las cosas que te da el tiempo. Enfrentarse a ese material y ver que sigue siendo absolutamente moderno, para él es un gustazo. A veces revisas material de hace tres años y te dices “qué cosa más antigua”. Pero para él, en el caso de Omega, ha sido lo contrario. Y ha sido muy feliz haciéndolo. Y para la familia, tras la muerte de Enrique, y con ella la desaparición de una parte importantísima de sus vidas, creo que ha sido el momento de darse cuenta de que, pasados los años del luto, ahora volvía la posibilidad de disfrutar. Tanto Aurora como Estrella, Soleá y Kiki, todos han estado entusiasmados. Yo no quería que fuera una película triste, sino todo lo contrario, y creo que lo hemos conseguido gracias a la propia familia.

-Omega abrió en Barcelona, el pasado 27 de octubre, la última edición del festival de cine documental musical In-Edit. ¿Cómo reaccionó el público?

-Ya había estrenado en el In-Edit Tiempo de leyenda. Y en las mismas condiciones: en la inauguración del festival, con una sala llena, 1.200 espectadores, y fue fantástico. Pero la verdad es que esta vez ha sido brutal. La gente se reía, lloraba, aplaudía… Y la ovación final… Christian Pascual, el director de In-Edit, nos contó que en los 14 años del festival nunca había visto una respuesta tan entusiasta en un estreno.

-Como directores o productores, entre Gervasio Igleias y usted ya han abordado documentales sobre Smash, Camarón, Veneno, Martirio, Morente… ¿Lo próximo?

-Tengo un proyecto desde hace tiempo, en colaboración con Raúl Rodríguez, sobre un personaje que creo que no se ha trabajado convenientemente, y que es Diego del Gastor. Y estoy metido ya en un proyecto sobre la relación histórica entre músicos andaluces y catalanes. Por ejemplo, hay un personaje, Felipe Pedrell, profesor de música catalán en Madrid, que viene aquí y descubre la música popular andaluza. Y este hombre es luego maestro de Falla, de Granados, de Turina, de Albéniz… Desde Pedrell a Joan Albert Amargós, que termina componiendo arreglos para Camarón y Paco de Lucía, hay muchas cosas interesantes.

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 60)

Blas Fernández | 10 de noviembre de 2016 a las 5:00

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Arranca en esta ocasión El Podcast de La Ventana Pop con un pasodoble compuesto por Luis Troquel e interpretado por Soleá Morente, buena muestra de lo variado de nuestro menú, marca de la casa. Suenan los nuevos trabajos de Furia Trinidad -fotografiados ahí arriba-, Beatlove, Error 6 y Marklenders; seguimos desgranando las últimas entregas de Hi Corea! y Apartamentos Acapulco y apuntamos algunos conciertos destacados a cargo de Nikki HillRyley WalkerMaika Makovski y Delbosque.

Como siempre, puede escuchar El Podcast de La Ventana Pop en el reproductor bajo estas líneas o, también, en la web de ScannerFM.

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Tracklist

1.-Soleá Morente: Suelo español

2.-Nikki Hill: Heavy Hearts Hard Fists

3.-Ryley Walker: The Roundabout

4.-Maika Makovski: Chinook Wind

5.-Beatlove: Modern Art

6.-Hi Corea!: Space Waltz

7.-Error 6: SMS

8.-Apartamentos Acapulco: Pensando en ti

9.-Furia Trinidad: The Morning After

10.-Furia Trinidad: Detroit

11.-Marklenders: Ojos

12.-Marklenders: Esto está muerto

13.-Delbosque: Protocolo de emergencia

“Tenemos acceso a tanta música que no podemos procesarla”

Blas Fernández | 30 de octubre de 2016 a las 5:00

Foto: Antonio Pizarro

Foto: Antonio Pizarro

Juano Azagra respira música. Al frente de Record Sevilla desde el fallecimiento de su padre, ha conseguido renovar el perfil de la histórica tienda de discos de la calle Amor de Dios. Como guitarrista y pianista, y tras otras aventuras previas, reparte ahora su tiempo y talento entre la banda de versiones Los Quiero, el grupo de acompañamiento de Chencho Fernández y All La Glory, la joya de la corona, su proyecto más personal y, aun así, compartido con otros músicos de similar enjundia: el guitarrista Israel Diezma, el bajista y vocalista Fran Pedrosa, la teclista y vocalista Pilar Angulo y el baterista Manuel Martínez. La formación, sólida como una roca, pone estos días en circulación su segundo y deslumbrante álbum, Everybody’s Breaking Everybody’s Heart (Happy Place Records), un notable cambio de registro, también de formación, respecto a su primer y homónimo disco.

–¿Tocar versiones con Los Quiero le sirvió para aprender el oficio de componer?

–Bueno, eso ha pasado siempre. Los mismos Beatles o los Stones empezaron haciendo versiones. Es una buena escuela. Es cierto que con Los Quiero hemos tocado mucho y, salvando las distancias, ha sido un poco como The Beatles en Hamburgo. Eso te hace más banda. Y, en cuanto a la composición, seguro que también influye. Si haces una versión de The Zombies o de Os Mutantes, algo se queda. Cuanto más conoces, cuanto más estudias, más te ayuda en la labor de componer y hacer un buen tema.

–Cuando recientemente tocaron en el Monkey Week había quien decía “¿All La Glory? ¡Pero si son Los Quiero!”.

–Sí, es cierto que a veces hay gente que no sabe si somos Los Quiero o All La Glory. En realidad, somos la misma cosa: cuando hacemos versiones somos Los Quiero y cuando hacemos nuestras canciones somos All La Glory.

–Y además, la banda de acompañamiento de Chencho Fernández…

–Casi al completo. Menos el bajista. Aunque cuando Pablo [Florencio], que es el bajista oficial, no puede, también viene Fran.

–Es que no paran: Fran tiene su propio grupo, Pinocho Detective, que hace pocos meses también publicaba un gran disco; Pilar toca en Las Janes…

–Sí, todos tenemos otras historia. A través de Los Quiero hay mucha gente que se da cuenta del potencial de la banda. Es un trabajo de repertorio que hacemos de manera gustosa, todo el tema de las armonías vocales… A veces nos ven otros músicos y se dicen: Me encantaría que ésta fuera mi banda.

–En su caso, la inmersión musical es total. Cuando no está ensayando está trabajando en Record Sevilla…

–Claro, en la tienda son ocho horas diarias escuchando música. Mi padre tenía un gusto muy amplio y casi todos mis referentes vienen de lo que escuchaba él. Así he conocido mucha música que, al mismo tiempo, me ha servido para desarrollar un estilo personal, que creo que es lo que tiene Everybody’s Breaking Everybody’s Heart: recoge todas las influencias que he ido asimilando a lo largo de mi vida.

–Pues no son pocas. Abarca un amplio abanico de estilos: power pop, new wave, soft pop…

–Y hasta casi dream pop, como pasa con VeraReasons To Get Lost puede sonar a Neil Young; Glow es más power pop; Pretty Eyes es más new wave… Hay un poco de todo. Igual un día me levantaba en plan Johnny Thunders que otro estaba más Spaceman 3 o me despertaba Todd Rundgren y me sentaba al piano… Como cuando empezamos a preparar el disco aún no teníamos sello, me dije: voy a hacer lo que me apetezca. Lo curioso es que funciona. Con la producción intentamos darle algo de uniformidad, porque las canciones son muy diferentes entre sí. Pero es que el disco es eso, en parte, un compendio de las músicas que escucho. Y también me gustan otras cosas, como el hip hop y la electrónica. Como decía mi padre cuando le preguntaban qué música le gustaba: Toda la buena.

Foto: Carolina Cebrino

Foto: Carolina Cebrino

–Supongo que en esa búsqueda de cohesión ha jugado un papel clave Jordi Gil. ¿Fue una producción a cuatro manos?

–Estuve en todas las mezclas e hicimos juntos todos los arreglos. Recurríamos el uno al otro mutuamente. Había canciones que para él eran tela marinera, de mezclas, de mogollón de pistas… Ha hecho un trabajo estupendo. Yo no entiendo nada de mezclar, pero sí tengo claro el concepto artístico. Así que no me quedaba en mi casa para que mezclase él y luego me enviara el resultado.

–Escuchando su trabajo con bandas tan diferentes como O Sister!, La Catedral Sumergida, All la Glory o Chencho Fernández, uno intuye que Jordi Gil se implica al cien por cien en cada producción que acepta…

–Sí, es una locura. Le echa mucho, mucho tiempo. Creo que se da cuenta de que le echa demasiado tiempo para el dinero que luego gana, pero es que ésa es su manera de grabar. Con él no llegas y tienes el disco en una semana, eso para él es impensable. Se puede pegar cuatro días mezclando un tema hasta que quede bien. Y si no lo consigue, lo deja, coge otro y luego vuelve a retomarlo. Es un productor muy fino. Me gusta mucho.

–La proliferación en la ciudad de estudios de grabación y sellos discográficos coincide con una explosión musical sin precedentes. ¿Se retroalimentan?

–Es brutal, una locura. Es una escena que se caracteriza por no ser homogénea. Hay una variedad increíble: I Am Dive no tiene nada que ver con Quentin Gas y Los Zíngaros; All La Glory no tiene nada que ver con Pony Bravo… Hay una gran cantidad de grupos, todos muy buenos y a la vez muy distintos. No ocurre como en Granada, donde impera el patrón del indie, sino que hay variedad, desde el rap de Tote King al rock más purista de The Milkyway Express. Además, no paran de salir grupos nuevos. Y todo muy bien hecho.

–¿Qué músicos sevillanos compran discos?

–Pues el último que vino a mi tienda… Uff… Antonio León, de Los Sentíos; Perepi, de I Am Dive; Javi Vega, de Maga; Álvaro Suite, que es guitarrista de Bunbury… Los Pony Bravo, por ejemplo, son de rebuscar en los cajones de ofertas para encontrar samples curiosos, tipo el Coro Ruso de no sé dónde… Pero en general son pocos los que compran discos. Creo que los músicos se lo gastan todo en pedales y en guitarras.

–¿Cree que el vinilo aguantará más allá del actual repunte?

–Está por ver que continúe en las siguientes generaciones, que no sea una moda. Aunque creo que nunca va a desaparecer, porque siempre quedará el coleccionismo. Además, se disfruta de otra manera. Internet, el streaming… Eso es pura sobreinformación: tenemos acceso a tanta música que no podemos procesarla. Más allá del hecho de tener el objeto en sí mismo, creo que la escucha se disfruta cuando la haces de manera tranquila, no cuando te descargas la discografía completa de un grupo y no sabes ni por dónde empezar. Prefiero ir comprando los discos uno a uno y disfrutarlos poco a poco. Cuando lo tienes tan fácil, las cosas pierden parte de su significado.

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 59)

Blas Fernández | 27 de octubre de 2016 a las 5:00

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Arranca en esta ocasión El Podcast de La Ventana Pop con Los Jaguares de La Bahía, la banda gaditana liderada por Paco Loco, que se propone editar doce sencillos durante los próximos doce meses. Quentin Gas y Los Zíngaros avanzan su segundo álbum, con edición prevista para el próximo año. Antes llegará el nuevo EP de Hi Corea!, Even Nature. Completan la lista de novedades Elphomega, ahí arriba en una imagen promocional de su flamante Nebulosa, SKLT SLKT ft. Myriam, Marco Serrato, O Sister!, Cómo Vivir en el Campo y Holögrama. Y en directo, 091 recupera fecha en Sevilla tras la cancelación de Interestelar y agota los últimos conciertos de Maniobra de resurrección.

Como siempre, puede escuchar El Podcast de La Ventana Pop en el reproductor bajo estas líneas o, también, en la web de ScannerFM.

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Tracklist

1.-Los Jaguares de la Bahía: Philip The Liar (The Disco Star)

2.-Los Jaguares de la Bahía: Oh Yeah

3.-Quentin Gas y Los Zíngaros: Caravana

4.-091: Esperar la lluvia

5.-Elphomega: Herido

6.-Elphomega: Zihuatanejo

7.-SKLT SLKT ft. Myriam: Your Name is War

8.-Marco Serrato: Santa sangre

9.-O Sister!: I Fell in Love With New Orleans

10.-Cómo Vivir en el Campo: El grande

11.-Holögrama: Burgundy Coloured Mazes

12.-Hi Corea!: Into The Wild