El Podcast de La Ventana Pop (Programa 81)

Blas Fernández | 30 de noviembre de 2017 a las 5:00

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Arranca hoy El Podcast de La Ventana Pop con una hermosa versión de La casa número en el número 3 que Maga grabó en el espacio que la inspiró, el edificio de la madrileña calle Velintonia habitado durante largos años por Vicente Aleixandre. Revisamos las nuevas entregas de Julio de la Rosa (fotografiado ahí arriba por Helena Goch), el guitarrista Raúl Cantizano, Valparaíso y Medicina. Y en el apartado de conciertos recomendados suenan Los Punsetes, José Ignacio Lapido, Furia Trinidad, Sweethearts From America, The Hollers y Quentin Gas & Los Zíngaros.

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Tracklist

1.-Maga: La casa en el número 3

2.-Julio de la Rosa: Malapascua

3.-Julio de la Rosa: Celebrando la suma

4.-Raúl Cantizano: Mukashi Mukashi

5.-Raúl Cantizano: Mina la lima

6.-Lagartija Nick: La ira de noviembre

7.-Valparaíso: Negro invisible

8.-Medicina: Sensorial

9.-Los Punsetes: Tu puto grupo

10.-José Ignacio Lapido: No hay prisa por llegar

11.-Furia Trinidad: El chile de la muerte

12.-Sweethearts From America: Too Cynical To Love

13.-The Hollers: I’’ll Do The Talking

14.-Quentin Gas & Los Zíngaros: Mala puñalá (Bronquio Remix)

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 80)

Blas Fernández | 16 de noviembre de 2017 a las 5:00

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Tras varias entregas a toda velocidad, en esta ocasión El Podcast de La Ventana Pop levanta el pie del acelerador y se permite el placer de recuperar algunas de las novedades discográficas andaluzas presentadas a lo largo de los últimos programas. Son trabajos recientes -como el Crimen, sabotaje y creación de Lagartija Nick, fotografiados ahí arriba-, con algún mes a sus espaldas o pendientes de edición, pero todos, definitivamente, resultan destacables. Ya sabe: ¡Suba el volumen!

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Tracklist

01.-José Ignacio Lapido: Dinosaurios

02.-Lagartija Nick: Soy de otra Andalucía

03.-Lagartija Nick: La canción del tiempo

04.-Vera Fauna: Equis

05.-Nadie Canta: El hipervínculo perfecto

06.-Kindata: Elevate I

07.-David Cordero & dot tape dot: Percolate

08.-Lost Twin: Glass Kingdom

09.-Blusa: #7

10.-RYM: Capital / Sentido

11.-Marina Gallardo: Bright Lights

12.-Blacanova: Esa sensación

13.-Dreyma: Rým

14.-El Lobo en tu Puerta: Gospel

“Uso la música para estar bien; cuando estoy mal, es mi refugio”

Blas Fernández | 5 de noviembre de 2017 a las 5:00

Marina Gallardo, poco después de esta entrevista. / Foto: Belén Vargas

Marina Gallardo, poco después de esta entrevista. / Foto: Belén Vargas

Marina Gallardo (El Puerto de Santa María, 1984) se ha tomado todo el tiempo necesario para componer, grabar y lanzar el cuarto álbum de su ascendente carrera, The Sun Rises In The Sky And I Wake Up (Foehn Records), un deslumbrante disco de pop ensoñador, tejido con capas de sintetizadores y perfilado al detalle, con el que vira hacia posiciones hasta ahora inéditas en su discografía. Licenciada en Filosofía, esta gaditana afincada en Sevilla asume además junto a Raúl Pérez la producción del álbum, en el que participan músicos como Isidro Lucuix (Hi Corea!), Jesús Bascón (Montgomery) y el baterista Pepe Benítez.

Working To Speak en 2007, Some Monsters Die And Others Return en 2010, This Is The Sound en 2012… ¡Y cinco años hasta este nuevo disco!

–-Bueno, lo cierto es que con This Is The Sound ya hubo más dedicación en cuanto a la producción, más reposo que en los dos primeros discos. También es normal que cuando estás empezando, que igual no tienes las ideas tan claras, todo salga de una manera más visceral. Hay urgencia por materializar las cosas. Pero a partir de This Is The Sound ya no tenía esa urgencia, sino ganas de hacer algo de lo que estuviera totalmente segura. Además, no han sido realmente cinco años. This is The Sound salió en noviembre de 2013; luego, dos años de conciertos y terminar la carrera, que la había dejado aparcada por la música.

–-Hay un notable cambio de registro sonoro: las guitarras pierden presencia y la electrónica la gana.

–-Después de los conciertos me despegué de mi banda. Estaba empezando ya a componer cosas nuevas e iban por otro lado. Quería explorar ese mundo totalmente sola y tenía muy claro lo que quería hacer. Comencé a usar instrumentos con los que nunca había trabajado, sintetizadores, y no tenía ni idea. Estaba deseando meterme de lleno y para eso necesitaba un descanso, no tener tantas cosas en la cabeza y vivir un nuevo ciclo, que es lo que básicamente he estado haciendo durante los últimos dos o tres años: componer, arreglar, producir… Darle vueltas a las canciones. En este disco hay mucho trabajo de alguien que ha estado levantándose por la mañana y ha pasado todo el día en el estudio probando cacharros, buscando sonidos. Hay alguna canción, como Vanishing Fears, que sí es más de guitarras, pero todo en el disco va más en función de la voz. Casi todos los arreglos tienen sentido como respuesta a la voz, hay un juego narrativo entre la música y la melodía de voz.
–
marina_2_280-Pero el cambio no se aprecia sólo en la instrumentación. Quiero decir, en contraste con sus discos previos, The Sun Rises in the Sky and I Wake Up es un álbum luminoso.
–
-Sí, es cierto, he virado hacia el dream pop. Tenía claro que quería hacer un disco más colorido, más musical en cuanto a las melodías. No dejo de ser yo, así que no va a sonar profundamente alegre [risas]. Pero sí, ha coincidido con un momento de mi vida en el que he sido bastante feliz. Y en cierto modo es un homenaje a lo que he vivido: personas, viajes, experiencias… Cuando salió This Is The Sound mi madre pasaba por una enfermedad grave. Y de hecho se lo dediqué a ella. En este nuevo disco hay un tema un tanto más oscuro, Bright Lights, que va sobre eso, pero es un poco como “eh, no pasa nada, ya sabemos que la vida es dura, así que vamos a intentar apoyarnos”. Ése es, en general, el mensaje positivo de The Sun, que es un disco sobre el amor, sobre el afecto, sobre cosas muy cotidianas y cómo encontrar refugio en ellas cuando algo no va bien. Uso la música para estar bien; cuando estoy mal, es mi refugio. Tenía muchas ganas de que toda esa explosión de color que quería conseguir con los arreglos, los arpegiadores, las capas de sonido, giraran en torno a esa energía: lo positivo vivido durante estos últimos años.

-–¿Pero qué motivó exactamente ese cambio de sonoridad?
–
-Siempre me ha gustado mucho la electrónica y nunca me he quedado estancada en un estilo musical concreto. Me gustan músicas muy distintas. Igual escucho música jamaicana que blues. El dream pop, la psicodelia, son cosas con las que había ido experimentando desde hacía tiempo, pero que ahora tengo como mi propio sonido. También he estado escuchando mucho a gente como Cocteau Twins y Slowdive, grupos más ligados al shoegaze. Eso era algo que no había tanteado, pero con lo que me siento muy identificada.

–-Es curioso: cuando apareció Working To Speak no faltó quien corrió a etiquetarla en el entonces recurrente cajón de nuevas cantautoras lánguidas de aire folkie. ¡Pero usted es músico!

–-Claro, sobre todo soy compositora de canciones. Nunca me he sentido ligada a eso. Creo que siempre he mostrado inquietud por salir de estilos concretos. Me gusta esa sensación de escuchar una canción y no saber muy bien qué es. Creo que es algo intrínseco a mí. Es cierto que escucho mucha música distinta, no hago ascos a nada, me gusta todo lo que me emocione. Ese universo, que me parece imposible de acotar, se va integrando en mi música: guitarras más vaporosas, teclados que se confunden con guitarras, guitarras que parecen sintetizadores, encontrar sonidos que estén en los límites… Lo que tantas veces ha hecho Brian Eno, por ejemplo. The Sun está muy ligado a ese ámbito, del que me siento deudora.
–
-Lo que sí permanece en este disco es su gusto por los textos breves: prácticamente, sólo hay una canción, Beach Sand, con más de dos estrofas…

–-Suelo ser muy conclusiva. De hecho, mis poemas han sido siempre como haikus. Siempre he sido muy concisa. Incluso cuando estudiaba, en los exámenes, mis frases eran pam, pam, pam. No hace falta rellenar algo que ya contiene lo que quieres. Tiendo a hacer miniaturas que se expanden. Y no las centro en la letra, sino en la música. Me interesa narrar a través de ella, no sólo a través de la letra.

–-Otro cambio: en esta ocasión, por primera vez en su discografía, ha coproducido el álbum, en concreto junto a Raúl Pérez.

–-A diferencia de mis otros discos, fui al estudio con todas las bases ya producidas en casa. Luego podíamos grabar una voz o a mis músicos, pero todo lo demás estaba ya: los arreglos de cuerda, los de teclados… Los dejamos tal cual, sin retocarlos. La cuestión es que Raúl hace de eso alta fidelidad, una magia brutal. Yo no tengo esos conocimientos y confío en él plenamente. Somos amigos desde hace mucho tiempo, hay un feeling mutuo. Pero es que además ha coincidido que sonidos que habían empezado a interesarme también habían comenzado a interesarle a él. Así que hemos estado muy ligados también en ese sentido, en esa evolución. Raúl ha validado todo eso para que suene de manera increíble. Es el mejor ingeniero de sonido que conozco. Raúl, como Paco Loco, con el que también he hablado mucho de esto, contempla la figura del productor en sentido americano: es un poco el director de orquesta. En este caso, esa figura he sido yo, pero él ha sido quien ha garantizado que el sonido sea increíble y que emocionalmente encaje con cada canción.

-Compone, graba, edita, toca… Ha firmado cuatro discos en progresión constante. ¿Se siente reconocida?

-Bueno… Soy una persona humilde. Para mí todo esto es algo que necesito hacer, así que intento que no me afecte si hay más o menos reconocimiento. ¿Que si pienso que debería ser mayor? Probablemente, sí. Es complicado.

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 79)

Blas Fernández | 2 de noviembre de 2017 a las 5:00

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Esta nueva entrega del programa viene cargada de novedades. Y son de aúpa. Bronquio, fotografiado ahí arriba por Mauri Buhigas, avanza su nuevo epé, con colaboraciones de Pablo Peña (Pony Bravo, Fiera) y 41V1L; Marina Gallardo ya tiene en circulación su flamante The Sun Rises in the Sky and I Wake Up; Lapido lanza El alma dormida y Lagartija Nick cuenta los días para Crimen, sabotaje y creación; El Lobo en tu Puerta publica su segundo álbum, Bestias del sur salvaje; The Hollers debuta en largo con I’ll Do The Talking y Perro Mojado vuelve a, ejem, mojarse. Y por si fuera poco, en este capítulo sin tregua también presentamos a Canino.

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Tracklist

1.-Bronquio: Galgo

2.-Bronquio: Semifucsia

3.-Canino: Emergence

4.-Marina Gallardo: Moonphases

5.-Marina Gallardo: Beach Sand

6.-Lapido: Nuestro trabajo

7.-Lapido: Lo que llega y se nos va

8.-Lagartija Nick: Mapa de Canadá

9.-Lagartija Nick: La leyenda de los hermanos Quero

10.-El Lobo en tu Puerta: Alabama

11.-El Lobo en tu Puerta: Bachata

12.-The Hollers: Still I Like It

13.-The Hollers: Your Only Flaw

14.-Perro Mojado: Helsinki

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 78)

Blas Fernández | 19 de octubre de 2017 a las 5:00

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Arranca una nueva entrega de El Podcast de La Ventana Pop con el largamente esperado nuevo álbum de Marina Gallardo (fotografiada ahí arriba por Raúl Pérez), The Sun Rises in The Sky and I Wake Up, un disco deslumbrante, candidato automático a destacado del año. Suenan más novedades: desde Granada, RYM y Los Térmicos; desde Málaga, Dreyma; desde Sevilla, el avance del segundo álbum de Sweethearts From America. Terminamos con un breve repaso a la última y vibrante edición del Monkey Week y un concierto recomendado, el de Daniel Romano.

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Tracklist

1.-Marina Gallardo: White Glare

2.-Marina Gallardo: Vanishing Fears

3.-RYM: III Ritual

4.-RYM: Mamba negra

5.-Dreyma: L. I. A. B.

6.-Sweethearts From America: The Fall of Frank Cowbell

7.-Sweethearts From America: Crisis

8.-Los Térmicos: Es lo que hay

9.-The Zephyr Bones: Penny’s Week

10.-Esteban & Manuel: Camino del Milla

11.-Vulk: Brazil

12.-All La Glory: I Can’t Take My Eyes Off You

13.-Daniel Romano: When I Learned Your Name

“Estamos concentrados en no repetirnos y en desarrollar ideas nuevas”

Blas Fernández | 7 de octubre de 2017 a las 5:00

Pony Bravo, con Daniel Alonso a la izquierda de la imagen, en una foto promocional. / Celia Macías

A punto de acabar 2014, Pony Bravo puso fin en su ciudad a la larga gira de presentación de su tercer álbum, De palmas y cacería (2013): 70 conciertos que confirmaban su propuesta como una de las más estimulantes del rock español. Esta noche, Daniel Alonso, Pablo Peña, Darío del Moral y Javier Rivera se suben al escenario del Teatro Central para inaugurar la vigésimo quinta temporada de tan señalado espacio escénico. Al habla con el primero…

–-Han transcurrido ya más de cuatro años desde De palmas y cacería. Siempre han dejado un largo espacio de tiempo entre uno y otro disco, pero ése había sido el tope. ¿Se vislumbra ya el cuarto álbum de Pony Bravo?

–-Sí, estamos en pleno proceso de composición de los temas nuevos, así que el disco, efectivamente, se vislumbra.

-–¿Tienen ya previsión de cuándo podría editarse ese nuevo trabajo?

–-No, estamos en modo dar cera pulir cera, currando, y aunque no falta mucho, no tenemos fecha todavía.

–-¿Puede avanzar cómo será? Quiero decir, ¿qué claves sonoras cambian respecto a los discos anteriores?

-–Pues como siempre, cuando estás ahí metido en el proceso es complicado decir algo. Estamos concentrados en no repetirnos y en desarrollar ideas nuevas. Ahora es época de generar mucho material juntos en el local y, al final del proceso, definiremos mejor esas claves sonoras.

-–Siempre se han definido como omnívoros consumidores de música. ¿Qué están devorando ahora con mayor fruición?

–-La música que oímos últimamente… Pues, por poner algunos ejemplos, Hype Williams, K. Leimer, Craig Leon, William Onyeabor, Rob, Black Madonna, Eden Ahbez, Brenda Ray, mucha exótica, boogie, híbridos y cosas buenas de ayer y de hoy. Los compañeros de local también están influyendo, todo se mezcla, tanto los discos como la gente con la que compartes estas cosas.

-–Vivimos tiempos particularmente convulsos. ¿Se reflejan en las letras de las nuevas canciones?

–-El reflejo de lo que nos rodea esta ahí, como siempre, pero va cambiando, supongo que como cambia uno mismo con el tiempo. Pero el humor sigue ahí. Y cierto escapismo necesario para disfrutar de la música y de un concierto, igual que el intento de tratar temas o ideas que no suelen aparecen en las canciones de toda la vida.

–-La gira de De palmas y cacería terminó en diciembre de 2014. ¿En qué han estado ocupando el tiempo desde entonces?

-–Dario y Pablo han estado con Fiera, y yo estoy preparando, desde hace tiempo, un nuevo proyecto con mi buen amigo Pablo Alles. Nos apetece sacar algo ya. También hemos estado con la producción del nuevo disco de Raúl Cantizano, que saldrá en breve, entre otras cosas.

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Cartel de Daniel Alonso para el concierto de Pony Bravo en el Teatro Central.

–-¿Por qué les gusta dejar tanto espacio entre un álbum y otro?

–-Tampoco es que nos guste especialmente, pero es verdad que suele ser así. Se ven parones desde fuera, pero dentro está todo en movimiento, más que antes incluso. Y es importante desarrollar otras historias con más gente. Eso también influye.

-–Con la inmediatez de la edición digital, ¿no les tienta la idea de lanzar canciones de manera aislada?

–-Sí, mucho. Tenemos muchas ganas también de trabajar de esa forma, con esa inmediatez. Y además está la importancia de lo visual… Todo está evolucionando y mejorando al tirar por ese camino. En nuestro local de ensayo tenemos nuevos compañeros, Industrias94, son mucho más jóvenes que nosotros y trabajan de esa forma. Vemos que hay diferencias claras en la forma de trabajar, en las herramientas… En todo, vaya. Las nuevas generaciones vienen fuerte y saben mucho de música.

–-¿Siguen pensando en el álbum como unidad básica de medida?

-–El formato disco siempre estará ahí, tiene su función siempre, pero, como ya decía, crece la importancia del vídeo, YouTube, redes… Todo va creciendo. Y me parece genial que sea así. Contar cosas con el vídeo, con la imagen, se está volviendo igual de importante que con la música.
–
-¿Presentarán canciones nuevas en el concierto del Teatro Central?

-–Al ser la celebración de los 25 años del teatro hemos preparado un concierto también con ese aire, con algunos temas del primer disco que hacía años que no tocábamos, un poco de mirada retrospecter sobre los diez años de Pony que llevamos ya. Pero también habrá algo nuevo… ¡Que no nos falte de !

-–Han tocado allí en un par de ocasiones previas, en 2009 y en 2012. ¿Qué les supone que se hayan acordado de Pony Bravo para la inauguración de la temporada?

–-Después de este tiempo sin tocar en Sevilla la verdad es que da mucha alegría poder hacerlo en el Central. Es un sitio importante para la cultura de la ciudad y después de tantos años también es importante para nosotros, porque nos hemos formado y hemos aprendido mucho de artes escénicas y música viendo a otros artistas que ha programado el teatro año tras año.

–-Con motivo del concierto en 2012, me contaba que el Central te permite hacer cosas diferentes y anunció sorpresas e invitados. ¿Los habrá en esta ocasión?

-–En esta ocasión seremos sólo nosotros. Al estar trabajando en el disco nuevo nos pegamos el día juntos en el local, apretaícos, así que estaremos en modo compacto. Aun así, estaremos acompañados de nuestro productor Raúl Pérez, que se encargará del sonido, y Benito Jiménez, de Los Voluble, que se ocupará de la iluminación del concierto. Cosa fina.

* Pony Bravo actúa esta noche a las 22:00 en el Teatro Central de Sevilla. Entradas a 17 euros.

El Podcast de la Ventana Pop (Programa 77)

Blas Fernández | 28 de septiembre de 2017 a las 5:00

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Arrancamos una nueva entrega de El Podcast de la Ventana Pop con dos muestras en vivo de las célebres Happy Place Sessions, ambas imponentes: All La Glory rescatando Runnaway Girl, ahora con la voz de Pilar G. Angulo (ahí arriba junto a Juano Azagra), y Silvia Pérez Cruz, en esta ocasión acompañada por Pájaro, revisando el Pequeño vals vienes. Seguimos en familia con Paloma Gómez, hermana de Pilar, que nos brinda una singular versión de Ojos verdes, y cerramos este primer círculo con Bronquio remezclando a All La Glory. Más madera: Lagartija Nick avanza su inminente álbum de retorno; Blusa y SKLT SLKT presentan nuevos discos; seguimos descubriendo las últimas entregas de Vera Fauna, Kindata y David Cordero & dot tape dot; recomendamos los directos de Automatics y Galaxina y despedimos hasta siempre a Little Cobras.

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Tracklist

1.-All La Glory: Runnaway Girl

2.-Silvia Pérez Cruz & Pájaro: Pequeño vals vienés

3.-Paloma Gómez: Ojos verdes

4.-All La Glory: Looking For a Thrill (Bronquio Remix)

5.-Blusa: #2

6.-Blusa: #6

7.-David Cordero & dot tape dot: Skip

8.-Kindata: Confess

9.-SKLT SLKT: Estoy perfe

10.-Vera Fauna: Quiebro y nada

11.-Lagartija Nick: Agonía, agonía

12.-Automatics: Oceans

13.-Little Cobras: Carajillo

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 76)

Blas Fernández | 14 de septiembre de 2017 a las 5:00

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Finiquitado (para desgracia de todos) el paréntesis veraniego, El Podcast de La Ventana Pop hace suyo el lema Arriba los corazones y estrena temporada con un programa en el que caben avances de discos por editar (por ejemplo, El alma dormida de José Ignacio Lapido, ahí arriba con su banda en pleno proceso de grabación), deja constancia de ediciones recientes y recomienda algunos directos inminentes. Recuperemos ese otro lema: ¡Suba el volumen!

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Tracklist

1.-José Ignacio Lapido: ¡Cuidado!

2.-Ricardo Lezón: Arena y romero

3.-David Cordero & dot tape dot: Noviales

4.-Hi Corea!: Space Waltz

5.-Surfin’ Bichos: Fuerte

6.-Guadalupe Plata: Qué he sacado con quererte

7.-Manu Ferrón: Dos telediarios

8.-Kiko Veneno: La catástrofe mayor

9.-Is Bliss: Into a Dream

10.-Amphetamine Discharge: Boo’ya Moon

11.-Amphetamine Discharge: Trouble in Heaven

12.-Esplendor: Te has ido

13.-Esplendor: Volver

El Podcast de La Ventana Pop (Programa 75)

Blas Fernández | 29 de junio de 2017 a las 5:00

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El último programa de la temporada llega con interesantes novedades, algunas ya en circulación -el epé Relieve de Vera Fauna, fotografiados ahí arriba, y el fantástico remix de Bronquio para Quentin Gas y Los Zíngaros- y otras de lanzamiento inminente -Zines- o con fecha de edición a la vuelta del verano -Blacanova y su nuevo álbum, La cabeza-. También nos hacemos eco de dos sonados retornos -Dogo y Los Mercenarios y Lagartija Nick- y recomendados otros tres festivales singulares: Meridiano Cero, Canela Party y Familia Palmer Festival.

¡Buenas vacaciones! Y recuerde: volvemos en septiembre.

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Tracklist

1.-Vera Fauna: Planeta rojo

2.-Vera Fauna: Luna mora

3.-Dogo y Los Mercenarios: Mala reputación

4.-Kill Kill: En tu piso

5.-Quentin Gas y Los Zíngaros: Mala puñalá (Bronquio Remix)

6.-Blacanova: El arte de amar

7.-Blacanova: Zoe

8.-Terry vs Tori: Wapebearer

9-Triángulo de Amor Bizarro: Esa extraña inercia (Anfetamina)

10.-Lagartija Nick: Rock’n’Roll Zine

11.-Nadie Canta: El hipervínculo perfecto

12.-Zines: Take a Walk

13.-Zines: I Wish

14.-Holögrama: Teenagers

“Como se suele decir, o nos amas o nos odias”

Blas Fernández | 20 de junio de 2017 a las 5:00

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Debutante en 2013 con un álbum de título homónimo, el dúo murciano Crudo Pimento, integrado por Raúl Frutos e Inma Gómez -pareja musical y sentimental-, se destapó desde primera hora como una atractiva anomalía en la escena nacional que, no obstante, prolongaba la pulsión experimental de cierto rock subterráneo español -apunte, por ejemplo, nombres como 713avo Amor, Mar Otra Vez o Vamos a Morir-.

Fania Helvete (2015) revalidó esa impresión demostrando que sus cruces imposibles de géneros y estilos -folclores de cualquier punto del planeta pasados por un filtro de rock malsano- estaban ahí para cautivar la atención del oyente inquieto (y, probablemente, también para hacer huir al resto). Su último trabajo, el fenomenal Teleiste Mouska, publicado este mismo año, ahonda en esa vía con resultados sorprendentes. Este miércoles lo presentan en Sevilla dentro de los actos programados con motivo del Día Internacional de la Música. Al habla con Raúl Frutos.

-Google Translate me decía que Teleiste Mouska era griego, pero creo que a va ser que no…

-Parece griego, sí, pero no. Es un título inventado. Viene de una canción que tenía para otro proyecto en la cual puse una voz en reverse. Había rapeado en inglés y no había quedado bien, así que la pasé al revés y una de las cosas que se repetían era ésa: Teleiste Mouska.

-Entiendo entonces que además del dúo mantiene otros proyectos en activo…

-Sí, alguno hay. Uno de hip-hop experimental, FHHx; otro grupo de mento, de folclore jamaicano, con el que llevamos muchos años, The Ben Gunn Mento Band; otro proyecto de dub, Dava… Todos con nombres muy complicados. Y todavía vendrá alguno más. En casa no paramos, siempre estamos grabando y hay material que se deriva de un proyecto a otro.

-Una de las características más llamativas de Crudo Pimento es el uso de instrumentos fabricados por usted. ¿Es luthier profesional?

-No, no… Soy un luthier cacharrero. Nunca me hedicado a fabricar instrumentos, venderlos y ganarme la vida con ello. Ha sido otra historia. He tenido acceso a las herramientas y a los materiales y los he hecho para mí, para mi uso personal. Después de vernos con Crudo Pimento hay gente que se ha interesado, “oye, ¿pero esto qué es? Me gustaría tener uno”. Pero no es mi bussiness. Lo que pretendemos al crear instrumentos es conseguir ciertos timbres para nuestra música. No pasa de ahí. Además, tampoco tendríamos tiempo para ello: grabamos, trabajamos… Doy clases en una academia de música moderna, llevo actividades extraescolares en varios colegios… Todo eso me lleva mucho tiempo.

-¿Tiene formación musical académica?

-No, nunca pasé por el Conservatorio. Soy autodidacta.

-¿Cómo arrancó Crudo Pimento?

-Yo llevo toda la vida tocando, igual en bandas de hardcore que en cuadrillas huertanas. Para Inma sí ha sido su primera formación. De hecho, ella no había tocado nunca ningún instrumento. Crudo Pimento nació del encuentro entre los dos. Vi que Inma tenía potencial, que además era una gran melómana, y le comenté si le apetecía probar a tocar esos instrumentos raros que estaba fabricando. Desde la más pura intuición, que era lo que me interesaba. No quería músicos profesionales. A veces, los músicos profesionales pueden llegar a contaminar la música con su técnica, con sus tics artificiales. Eso no me interesaba. Así que encontré en Inma a la persona justa que me podía dar eso que buscaba: alguien que se acercara virgen a la música y que empezara a tocar instrumentos desconocidos para el gran público. Eso proporcionaba el encuentro entre cierta música técnica y cierta música primitiva. Todo esto ocurrió hace unos cinco o seis años.

inma_gomez-¿Partían ya en ese momento con una intencionalidad experimental?

-La intención era pasarlo bien. No había ningún planteamiento sesudo, ningún posicionamiento estético o artístico claro. Fue un proceso muy natural. Sólo pretendíamos hacer música e intentar darle vida a esos cacharros que yo había creado. En principio no fue mucho más allá de eso; después, a posteriori, sí se pueden sacar lecturas, todas las que queramos: la mescolanza de músicas, de la tradicional al black metal… Pero todo eso no estaba a priori en nuestras cabezas. Considero que eso no debe funcionar así en una banda o en cualquier otro proyecto artístico. Hay algo, por ejemplo, que me ocurre con la música académica contemporánea: si alguien me abruma previamente con explicaciones sobre postulados estéticos, deja de interesarme. Nosotros hacemos música por necesidad y por diversión.

-Entonces, los instrumentos fabricados por usted han definido no sólo el sonido, sino también el estilo Crudo Pimento…

-Podría ser, sí. Pero la nuestra es una búsqueda de timbres que en el fondo son antiguos. Algunos de los intrumentos vienen de tradiciones como el mento jamaicano. Lo que intentamos es poner al día esos timbres y encontrar formas musicales actuales, del siglo XXI. Así que supongo que sí, que tienen mucho que ver en el sonido de la banda. Incluso en el último disco, donde quizás nos hayamos ido algo más hacia la experimentación electrónica, siguen estando presentes.

-En el caso de ustedes dos, la mescolanza sin límites de géneros y estilos parece un caso claro de melomanía…

-Claro, todo viene de ahí, de la melomanía, y sin eso no tendría sentido. Hacemos la música que nos gustaría escuchar. Por ejemplo, qué buen encuentro sería el de una cuadrilla de música tradicional boricua con una banda noruega de black metal. Qué interesante sería esa mezcla… Pues como eso nunca se va a dar, lo hacemos nosotros. Son fantasías musicales, si se quiere, disparatadas; pero si nosotros tenemos la oportunidad de propiciarlas, ¿por qué no?

-¿Escarban en el folclore con ánimo investigador?

-Sí, pero como decía antes, tampoco es algo sesudo, académico. Desde luego, nos encanta leer sobre música y tratar a fondo los temas en los que nos metemos. Por ejemplo, hemos investigado bastante sobre el mento. Pero en ningún caso diríamos que somos etnomusicólogos, sería pretencioso por nuestra parte. Simplemente, una vez más todo se reduce a la melomanía, que es la que te lleva a leer, a investigar y adquirir conocimientos sobre cosas que te han llamado la atención. Hay un trabajo de documentación, pero no es lo primordial.

-Los folclores se han sedimentado a lo largo de los siglos. Cuando irrumpe internet, ese proceso se trastoca. ¿Y ahora qué?

-Sí, son cruces aparentemente imposibles, pero se dan. Gracias a las redes, a la técnica, a la magia de la información, se dan. Y puedes pegar, puedes encolar y aquí no ha pasado nada. El resultado, a veces, es satisfactorio para quien lo escucha. Para mí es una maravilla tener acceso a cualquier lugar del mundo en cualquier momento y poder picar de cualquier música, de cualquier archivo. Por ejemplo, en internet tenemos ya el archivo de Alan Lomax, y lo podemos descargar y bucear y hacer cosas con él. Y no es lo único que hay. Nosotros, hace ya bastantes años, para poder conseguir este tipo de cosas teníamos que rebuscar en blogs. No había tanto donde elegir, pero lo buscábamos. Estábamos en contacto con gente que también estaba apasionada con esta historia y se dedicaba, por ejemplo, a digitalizar discos de pizarra y colgarlos en la red. Ha sido una gran labor de mucha gente durante muchos años que ha ido creciendo.

-Otro sugerente detalle de Teleiste Mouska: todas las letras están improvisadas.

-Sí, en este disco sí. Y algunas de ellas a modo de cadáver exquisito, cogiendo una letra, sentándome a grabar, cortando la grabación y al día siguiente, sin recordarla, pinchando en el mismo punto y continuando con esa improvisación. Digamos que para nosotros era importante ver qué salía de esa inmediatez lírica. Hay algo últimamente en la música que no me agrada, y es el refinamiento o el pulido de las letras, esa acabado poético que al final quita naturalidad a la música e intencionalidad al mensaje que querías transmitir. Así que improvisamos, repentizamos esas letras, que es una manera de entroncar con la tradición musical murciana.

-Y con la de casi todo el Levante, donde el repentismo sigue presente.

-En todo el mundo. Aquí desde luego hay una gran tradición de repentistas y algunas formas musicales son completamente improvisadas. Así que intentamos hacer ese ejercicio. Por una parte, por la tradición; por otra, para que la lírica no se viera contaminada por un proceso poético. A veces esas cosas quedan muy edulcoradas y ciertas imágenes poéticas, que has estado madurando durante semanas para conseguir el verso perfecto, hasta te sacan lo colores. Lo respetamos, absolutamente, pero no nos interesa, no lo buscamos.

-El repentismo llega a América, y en particular a Cuba, vía inmigración. La influencia cubana en la moderna música jamaicana está más que documentada. De los sound system jamaicanos salen algunos de los personajes que luego van a dar forma al rap en el Bronx. Resulta, cuanto menos, curioso…

-Claro, es lo mismo que en el flamenco: todo es un camino de ida y vuelta; si no lo hay, si no se encuentra con músicas de otras partes del mundo, no va a evolucionar. El rap, en concreto, tiene mucho de esa improvisación, de esa cultura nuestra que viajó. Eso es enriquecedor e importante. Y digno de estudio. Habría que seguir el rastro de esos repentistas que viajaron a América. Son cosas que nos apasionan. Y cada vez tendemos más a ello: que musicalmente y líricamente las cosas vengan de ese golpe de improvisación.

raul_frutos-Pero todo ese proceso, como decía antes, se ha sedimentado y luego ha vuelto a fluir a lo largo de la historia. ¿A dónde irán los géneros ahora?

-Se seguirá produciendo ese camino de ida y vuelta. En cuanto a la repentización, debemos de ir ya por la vuelta número 50. Aquí en Murcia lo tenemos bastante presente. Aquí se llaman trovos, pero es que hay trovos en todo el mundo. Durante unos años se hizo en Cartagena un festival llamado Trovalia al que venían troveros de todo el planeta. Era impresionante ver cómo se mezclaban murcianos, mexicanos, cubanos, puertorriqueños… Veías que todo era lo mismo, veías ese camino de ida y vuelta. Creo que es una de las cosas más excitante que he visto nunca en directo.

-Lo que, por otro lado, demuestra que las batallas de gallos tampoco son nada nuevo…

-Desde luego que no. Los escoceses ya lo hacían hace siglos. Tenían una tradición antiquísima en la que dos improvisadores se iban enzarzando, justo como en una batalla de gallos.

-¿Se sienten rara avis en la escena musical española o hay afinidad con otros grupos?

-Tenemos vínculos con muchos, por supuesto. Lo más obvio sería decir Guadalupe Plata, pero es que además ellos son colegas desde hace tiempo. Cuando empezaban, Inma era promotora de conciertos y fue la primera que se los trajo a Murcia, nadie los conocía aún. Son muy amigos. Hace poco coincidimos en el festival Eat My Soul de Alicante. Por cierto, a ese festival nos trajimos a una leyenda jamaicana del mento de 84 años, Albert Minott, de The Jolly Boys. Nos hicimos una gira con él. Toda una experiencia y un sueño del que todavía no nos hemos despertado. Este hombre llegó de Port Antonio a nuestra casa y estuvo una semana. Grabamos con él, dimos conciertos, le hicimos entrevistas sobre la historia de la música jamaicana desde el nacimiento mismo del rocksteady… Este hombre lo vivió todo de primera mano y nos lo contó aquí, sentado en el sofá del salón de nuestra casa.

-Le preguntaba por las afinidades porque, en alguna ocasión, escuchando a Crudo Pimento, se me ha venido a la cabeza aquella banda malagueña de corta pero intensa trayectoria, 713avo Amor

-Por supuesto, claro que sí. Es más, puedo contar que para cada uno de nuestros discos he intentando localizar a Carlos Desastre. Se fue a México, pero realmente nadie sabe dónde está. Queríamos que en Teleiste Mouska nos grabara un par de gritos de esos suyos, desgarradores, pero no ha habido forma de encontrarlo. No sabemos si está en México o no, ni siquiera si sigue vivo o está en Júpiter. Desde luego, para mí 713avo Amor es una gran referencia. Igual que nos pasa con la música experimental en general. Aquí en Murcia tenemos muy buena relación con la gente de Schwarz. Somos amigos, colaboramos y hacemos cosas juntos.

-Dígame, ¿cuál ha sido la reacción más extrema por parte del público en un concierto de Crudo Pimento?

-Como se suele decir, o nos amas o nos odias. Hay gente que se queda como gatos asustados, mirándonos, o gente que enloquece y hasta baila pogo, lo cual, viniendo del hardcore, es maravilloso. Y gente que se va, incluso ofendida. Bueno, en eso consiste, en provocar reacciones extremas.

Crudo Pimento actúa este miércoles 21 a las 21:30 en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (Madre de Dios, 1). Entradas a 6 euros (3 euros para la comunidad universitaria).