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‘Louie’, la comedia frente al espejo

Manuel J. Lombardo | 18 de septiembre de 2012 a las 22:21

Creada y protagonizada por el cómico Louis C.K., la serie de televisión ‘Louie’ (FX) coquetea con la ‘autoficción’ y la crisis del hombre blanco de clase media

A falta de dos episodios para que concluya su tercera temporada, emitida estos días en el canal FX de la televisión por cable norteamericana, la serie Louie, creada, escrita, dirigida, montada y protagonizada por el cómico de origen judío Louis C.K. (Louis Szekely, Washington, 1967), va camino de hacer historia (una pequeña historia, en todo caso) como una de las piezas más divertidas, inteligentes (sí, perdonen el tópico del humor inteligente), corrosivas y autoconscientes de la comedia catódica, de la comedia como género en expansión, nos atreveríamos a decir.

En la tradición de las mejores autoficciones cómicas de nuestro tiempo, con Jerry Seinfeld y Larry David (Curb your enthusiasm) soplando en el cogote, Louie asume también la herencia de cierto humor realista, desencantado, crítico, ácido y reflexivo propio del stand-up comedian, en la línea de su querido Lenny Bruce (ahí está siempre presente el poster de uno de sus shows colgado en su apartamento), para lanzarse a tumba abierta a una suerte de (falsa) expiación pública por capítulos en la que lo autobiográfico (la crisis de los cuarenta del hombre blanco, padre y divorciado) merodea siempre por los límites de la ficción para terminar por confundir al personaje con la persona y a la persona con el personaje, y en consecuencia, para extraer de esta borrosa y permeable frontera una mirada al mundo (al propio mundo de Louis C.K.) en la que el patetismo cobra una nueva dimensión y un nuevo puente de identificaciones en la permanente exposición (con escarnio) de los defectos, vicios, limitaciones, complejos, mezquindades, temores y demás lacras físicas y morales de un tipo cuyas principales aspiraciones pasan por conjugar su vida profesional como comediante on the road con su faceta de padre y su deseo de encontrar pareja con la que rehacer su vida o, en su defecto, echar un polvo o masturbarse si no hay más remedio.

Desde su primera temporada (2010), Louie ha ido evolucionando desde un esquema más o menos fijo, a saber, con la alternancia entre sus monólogos en el Comedy Cellar neoyorquino (porque Louie es, no lo olvidemos, un prototipo neoyorquino, y no es difícil encontrar ciertos paralelismos con el primer Woody Allen) y la puesta en escena de situaciones o gags en los que, en mayor o menor grado, se apunta algún tema o concepto, a una paulatina desaparición de esos monólogos en favor del desarrollo, cada vez más extremo, cada vez más libre narrativamente, cada vez más tentado de la digresión hacia el absurdo o lo surreal, de viñetas que están ya más cerca de la búsqueda de una cierta estupefacción que de los clásicos chistes de la comedia de situación. Así, por ejemplo, el último episodio visto hasta la fecha, Late Show (Part 2), nos trae a Louie ante un excéntrico coach-ejecutivo de una gran cadena de televisión, interpretado por el mismísimo David Lynch, para enfrentarlo a sus propios temores y limitaciones para dar ese (¿ansiado?) salto hacia el éxito masivo al tiempo en que el propio universo del cine de Lynch es asumido como elemento para la parodia más hilarante.

http://youtu.be/Qob3FTPJ7cM

Louie desentraña también los propios mecanismos de la comedia y las estrategias del monologuista sin necesidad de mostrar su proceso creativo. Consciente de la inagotable eficacia en un escenario de los chistes escatológicos sobre pedos, penes, vaginas o encuentros sexuales frustrados, consciente también de su propio cuerpo, cada vez más envejecido y gordo, como diana para sus dardos, Louie se lanza sin temor ni rubor algunos a hacer comedia sobre asuntos prohibidos, a saber, desafiando y, de paso, criticando, lo políticamente correcto como frontera para el humor. Aparecen así, dando una vuelta más de tuerca a lo grotesco, lo siniestro o lo innombrable, la enfermedad, la muerte, las relaciones con los hijos, la religión, el sexo explícito (siempre bizarro o insatisfactorio) o los prejuicios y miserias humanas de todo tipo (raciales, de género, religiosos, morales…) como asuntos a los que sacar punta hasta ese límite en el que la mina se quiebra o puede llegar a convertirse incluso en un arma mortal, poniendo así a la comedia (y al comediante) ante el espejo y desafiando el “buen gusto” como único y verdadero enemigo irreconciliable de todo gran gesto cómico.

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Martin Scorsese presenta The Blues – Scorsese, Levin, Wenders, Burnett, Figgis, Eastwood, Pearce – Divisa – Digipack 4DVD/7 documentales – 810 min. – 25 euros

Producida en 2003, The Blues supone una nueva y particular contribución de Martin Scorsese a su infatigable labor de preservación documental de la música norteamericana, una serie de siete entregas en la que embarcó a Wim Wenders (The soul of a man), Clint Eastwood (Piano blues), Levin (Padrinos e hijos), Mike Figgis (Rojo, blanco y blues), Richard Pearce (Camino a Memphis), Charles Burnett (Entre lo sagrado y lo profano) y a él mismo (Nostalgia del hogar) en siete viajes por las diferentes facetas, familias, escuelas, focos y tradiciones de “la madre de todas las músicas norteamericanas”, ahondando en sus orígenes y en sus ramificaciones hasta nuestros días.

Así, desde las raíces africanas a la integración de sus esencias en el rock o el hip-hop, el blues es visto aquí desde diferentes perspectivas y sensibilidades (desde el carácter político de su condición de música de los negros oprimidos a su disección como pura forma estética), a través de un generosísimo arsenal de material de archivo, entrevistas, actuaciones en vivo de algunas de sus figuras y bajo la libertad de formato (del clásico documental de compilación a la introducción de la ficción, como ocurre en el episodio de Burnett) que cada director, a partir de su propia relación personal con la música, establece como hilo conductor.

 

Alps – Yorgos Lanthimos – Avalon – 90 min. – 15 euros

Abanderado del nuevo cine griego que se ha convertido en la última moda festivalera (próximamente en el SEFF), un cine horizontal que se ha emancipado al fin de sus padres históricos a través de una extraña querencia por los márgenes más lúdicos de la herencia moderna y una inopinada filiación con los perfiles gélidos y minimalistas de cierto cine centroeuropeo, Lanthimos prolonga el gusto por los relatos claustrofóbicos, parabólicos y distópicos que hicieran de su premiado Canino todo un pequeño acontecimiento en el circuito de versión original.
Alps vuelve a convocar, entre planos disfóricos y superficies asépticas, una suerte de extrañamiento brechtiano que conjuga un particular teatro del absurdo sobre la identidad, protagonizado por personajes-marioneta en busca de una salida para su autismo emocional impuesto por los caprichos de un demiurgo que no parece tenerles demasiada simpatía. Vaciando de sentido la iconografía y el lenguaje del cine, el pop o el deporte, haciendo circular a sus criaturas hacia el abismo de la performance autodestructiva, Alps traza su desolador panorama humano con una autocomplacencia que tiene mucho menos de provocadora que de oportunista.

Tres comedias (sin futuro)

Manuel J. Lombardo | 23 de julio de 2012 a las 23:36

Casa de mi padre, God bless America y The Three Stooges siguen expandiendo los límites y modelos de la ‘Nueva Comedia Americana’ desde el pastiche, la sátira o el homenaje

El esplendor de la Nueva Comedia Americana parece inversamente proporcional a su aceptación o reconocimiento en el mercado español, donde son contados los filmes que se estrenan (y cuando lo hacen, casi de tapadillo) sin los habituales y dañinos cambios de título o sin ese doblaje libre que suele desvirtuar o echar directamente por tierra buena parte de su singularidad iconoclasta. Recién estrenadas o editadas en DVD en EE.UU., Casa de mi padre, God bless America y The Three Stooges confirman esta nueva era dorada del género a partir de tres modelos bien diferentes.

1. Producida por Adam McKay y dirigida por Matt Piedmont, Casa de mi padre supone un nuevo jalón en la biografía corporal de Will Ferrell como icono de la desubicación y el infantilismo en mundos de ficción excesivos e improbables. A la espera de su comeback como el reportero Ron Burgundy, el cómico de la cantera del Saturday Night Live sigue buscando nuevos terrenos fronterizos para la reinvención de su eterno personaje de niño grande, que alcanzó el paroxismo junto a John C. Reilly en la desopilante Hermanos por pelotas. Rodada íntegramente en castellano (¡!) y ambientada en un Norte de México de tonos saturados salido de una fantasía kitsch de telenovela barata, Casa de mi padre vuelve a modular asuntos freudianos y edípicos con un Ferrer como hermano tonto-bueno sometido a la disciplina de un padre autoritario (Pedro Armendáriz Jr.) y un hermano ejemplar (Diego Luna) cuya esposa (Génesis Rodríguez) vendrá a alterar la paz y el orden del rancho, acosado por la mafia local (Gael García Bernal) y los agentes de la DEA.

Casa de mi padre se desarrolla así entre la delirante palabra atropellada de Ferrell, los paisajes de postal falsa y cartón piedra, el romance de culebrón y el inevitable trayecto de la autoafirmación en el seno de la familia en el que no faltan hilarantes números musicales, escenas de amor a la luz de la luna e incluso alguna set-piece de acción que hacen de la digresión, el absurdo y el exceso las principales armas para una comicidad fuera de toda ortodoxia y reglamentación.

2. Bien distinto es el camino emprendido por Bobcat Golthwait, viejo conocido como actor de la saga Loca Academia de policía reconvertido en director de culto gracias a World’s greatest dad, una comedia negra e incorrectísima protagonizada por un inmenso Robin Williams, a la hora de retratar la era Obama bajo una mirada satírica y mordaz que emparenta con la mala baba y el tono seco de un Todd Solondz o con los personajes y paisajes suburbanos o provincianos de clase media tan caros al cine indie.

Lo que arranca como el retrato del oficinista loser caído en desgracia (Joel Murray), toma pronto la deriva de una road movie en la que este padre separado, enfermo, despedido y cabreado y una adolescente rebelde (Tara Lynne Barr) emprenden un viaje por Norteamérica tal que unos nuevos Bonnie & Clyde o Butch Cassidy y Sundance Kid dispuestos a limpiar el país a punta de pistola de toda la hipocresía, el sensacionalismo y la mentira que han conformado la opinión pública a través de los medios de comunicación. Golthwait aparca los matices eróticos para centrarse en la celebración de su exceso de depuración con un festivo sentido del ritmo y un cuidado y certero trabajo de diálogos que parece exteriorizar su propia opinión sobre el circo mediático de mediocridad, falsedad y conformismo en el que se ha convertido un país al que, en cualquier caso, sigue amando.

3. The Three Stooges opera también sobre cierta memoria cinéfila pero a partir del homenaje y la regresión a formas espectaculares cómicas clausuradas. El nuevo filme de los controvertidos hermanos Farrelly trabaja por primera vez dentro del rango de la clasificación PG (todos los públicos) para abandonar el tono incorrecto y escatológico que los hizo gloriosamente famosos desde los días de Qué pasa con Mary. Se trata aquí de para rendir tributo al popular trío cómico The Three Stooges (Los tres chiflados), toda una institución (olvidada) del mundo del espectáculo norteamericano (en activo desde los años 20 hasta los 70 en sucesivas reencarnaciones) que hizo del humor blanco y, sobre todo, del slapshot (tortazos, caídas, golpes y demás humor físico) la esencia de una comicidad emparentada con los modos del burlesco del cine mudo.

Eternos niños en cuerpos de adultos, caricaturas andantes con peinado y aspecto imposible, estos tres huerfanitos arrasan con todo lo que se les ponepor delante, también con ellos mismos, con tal de recaudar fondos para un orfanato regentado por unas monjitas entre las que se encuentra nada más y nada menos que Larry David, al que nunca imaginamos tan ajustado dentro de un hábito. Golpes, carreras, caídas y un constante desafío de putadas entre ellos hacen de The Three Stooges un elástico cartoon de carne y hueso al que los efectos de sonido y un score musical a lo mickey mousing terminan de poner en la órbita del disparate cinético más elemental y primario, el más simple y efectivo.